Potresti avere solo un breve periodo a Parigi, sono stato al Louvre e mi chiedo come valga la pena fare un viaggio in un'altra galleria - e sicuramente lo è. Nessun viaggio a Parigi è completo senza una visita al Museo d'Orsay.L'Orsay ospita la più grande collezione di opere d'arte impressioniste e post-impressioniste del mondo. In termini di storia, riprende da dove il Louvre si interrompe intorno al 1848: il movimento impressionista sta appena iniziando, e puoi passeggiare da una stanza all'altra prendendo Pissarro, Manet, Degas, Cézanne, Monet, Renoir, van Gogh, Gauguin e molti altri. Documenta completamente la rivoluzione impressionista. I binari corti originali della Gare d'Orsay divennero inadatti ai treni più lunghi intorno al 1939, e la stazione declinò in uso fino al 1970, quando il ministro francese Jacques Duhamel la salvò dalla demolizione a favore della creazione di una galleria per celebrare gli artisti francesi che guidavano il movimento impressionista.Non perderti nessuno dei tre piani d'arte, tra cui quello di Cézanne Mele e arance, Monet Ninfee, Renoir Bal du Moulin de la Galette, che celebra il distretto bohémien intorno Montmartree Édouard Manet Le Déjeuner sur l'Herbe. Dai un'occhiata al magnifico vecchio orologio della stazione di Orsay e nella piazza d'Orsay fuori dai un'occhiata alle sei sculture allegoriche in bronzo dell'Exposition Universelle.

Notte stellata sul Rodano è tra le opere più belle di Vincent Van Gogh. Lo dipinse in un punto sulla riva del Rodano a soli due minuti dalla Casa Gialla, dove viveva all'epoca. Il cielo notturno e la luce sull'acqua erano i soggetti preferiti di Van Gogh: tornò da loro Terrazza del caffè di notte e un'altra tela successiva di Saint-Rémy, La notte stellata. Van Gogh era un uomo problematico, e gran parte di ciò che sappiamo di lui deriva dalle sue corrispondenze con suo fratello Theo e dal suo amore non corrisposto. Le sue lettere dipingono la scena quasi quanto il suo pennello, e lui ha la sensibilità di un artista per il colore: «Il cielo è acquamarina, l'acqua è blu reale, la terra è malva. La città è blu e viola. Il gas è giallo e i riflessi sono oro ruggine che scendono fino al verde-bronzo. Sul campo acquamarina del cielo l'Orsa Maggiore è di un verde scintillante e rosa, il cui discreto pallore contrasta con il brutale oro del gas. Due statuette colorate di innamorati in primo piano.» È possibile visitare lo stesso sito ad Arles, nel sud della Francia, oggi; rimane abbastanza simile a com'era nel 1888, quando Van Gogh lo dipinse. Vedrai ancora la caratteristica linea di costa, il ponte Trinquetaille e, di notte, la costellazione dell'Orsa Maggiore che brilla sopra di te. Il dipinto stesso è esposto al Musée d'Orsay, a Parigi. C'è una bella ma tristemente falsa storia che Van Gogh ha usato per dipingere queste scene del cielo notturno con candele accese sull'orlo del cappello. Immagina: che eccentrico di quartiere sarebbe stato. Purtroppo in realtà ha usato lanterne a gas.

Bal du Moulin de la Galette è stato dipinto da Pierre-August Renoir nel 1876. È uno dei grandi capolavori impressionisti. È una rappresentazione straordinaria di qualcosa di molto ordinario: una tipica domenica pomeriggio al Moulin de la Galette nel quartiere di Montmarte a Parigi. È un'istantanea impressionistica della vita quotidiana, con tutta la ricchezza di forme, la fluidità della pennellata e la luce screziata che ci si aspetta da Renoir. Il dipinto è uno dei tesori nazionali della Francia e molto raramente lascia la sua casa, il Musée d'Orsay a Parigi. Nel 1879 Edmond Renoir, fratello minore dell'artista, ha fornito la seguente descrizione di come è nato il dipinto: «Si stabilì lì per sei mesi, conobbe il piccolo mondo del luogo e la sua vita particolare che nessun modello avrebbe trasmesso e, essendo entrato nell'atmosfera di quel piccolo ristorante popolare, ha raffigurato con incredibile entusiasmo lo sfrenato hurly-burly che ha prevalso lì.» Tuttavia, la scena contiene anche un certo numero di amici di Renoir. Il suo biografo, Georges Rivière, ne ha identificati alcuni. Al centro compositivo del dipinto c'è una coppia sorprendente: Margot Legrand e un signore alto e immacolato con un cappello a cilindro - questo era il pittore cubano, Don Pedro Vidal de Solares y Cardenas (qualche nome!). Margot era una modella abituale per Renoir e un po' arrabbiata; il Don ben educato era un po' rigido. La storia raccontata dalle loro figure è assolutamente tipica dello stile di Renoir. Troverete storie del genere in ogni angolo di questo dipinto.

Un dipinto di questa serie è stato venduto nel 2012 alla Famiglia Reale del Qatar per circa 250 milioni di dollari, rendendolo la seconda opera d'arte più costosa mai venduta. Fortunatamente, puoi vedere una delle serie per un po' meno al Musée d'Orsay.I «giocatori di carte» di Cézanne sono considerati i capisaldi del movimento post-impressionista francese, nato all'inizio del secolo come reazione alla preoccupazione dell'impressionismo per la luce e il colore «naturali». Ciascuna delle serie raffigura contadini provenzali immersi in pipe fumanti e carte da gioco. I soggetti sono tutti maschili e sono esposti in una luce intellettuale e solenne; piuttosto che giocare d'azzardo, i loro occhi sono rivolti verso il basso, silenziosamente intenti al loro gioco. Si dice che Cézanne abbia adattato una tematica del genere olandese del XVII secolo che spesso raffigurava giochi di carte con giocatori d'azzardo turbolenti e ubriachi nelle taverne, sostituendoli invece con operai dalla faccia cupa in un ambiente semplificato.I ritratti di Cézanne sono ammirati per la loro mancanza di drammaticità, narrativa e caratterizzazione convenzionale. Nella versione Musée d'Orsay, non ci sono altri oggetti di scena a parte i due giocatori, le carte, le pipe e una bottiglia di vino. Eliminando gli spettatori e altri dettagli non necessari, Cézanne ha mostrato solo l'essenziale assoluto: due giocatori immersi nel loro gioco. La pace contenuta nella scena è tangibile; un critico ha persino descritto l'opera come una «natura morta umana».

Claude Monet, il famoso artista impressionista francese, dipinse una serie di dipinti ad olio Camere del Parlamento a Londra nel corso di diversi soggiorni tra il 1899 e il 1901. Tutti i dipinti della serie condividono lo stesso punto di vista sul Tamigi, ma sono dipinti in diversi momenti della giornata e con condizioni meteorologiche diverse. I contrasti tra loro sono meravigliosi. Sebbene la residenza principale della sua vita fosse a Giverny, Monet e la sua famiglia avevano effettivamente vissuto brevemente in Inghilterra quando cercarono rifugio durante la guerra franco-prussiana (1870-1871). Monet tornò di nuovo alla fine degli anni ottanta e rimase con i suoi due amici artisti James McNeill Whistler e John Singer Sargent. Entrambi erano artisti famosi a pieno titolo e, sebbene fossero americani espatriati, fungevano da guida per la città. La fissazione di Whistler sul Tamigi ebbe chiaramente un effetto sul suo amico Monet. Monet cercava sempre di andare a Londra durante l'inverno, quando il cielo della città era denso di nebbia e il fumo dei fuochi di carbone. «Senza nebbia», disse Monet, «Londra non sarebbe una bella città. È la nebbia che le conferisce la sua magnifica ampiezza». In questa serie il profilo spettrale degli edifici del Parlamento emerge dalla nebbia e la sua grande massa di pietra sembra stranamente priva di peso. Migliaia di toppe colorate si uniscono per dare un'impressione della densità dell'aria, mentre cielo e fiume si fondono perfettamente. I dipinti di questa serie di Monet sono sparsi in tutto il mondo, ma puoi vederne uno qui a Parigi al Musée d'Orsay. Che tu abbia visto o meno la scena in carne ed ossa, questa rappresentazione è trionfante.

Presentata alla mostra impressionista del 1881, è l'unica scultura che Edgar Degas avrebbe mai esposto in pubblico.

Il modello in gesso del Museo d'Orsay risale al 1917 e si ispira alle famose porte che Ghiberti aveva realizzato per il battistero di Firenze.

Anche se una scena apparentemente banale, collocando una donna anonima e svestita in un ambiente quotidiano, Manet ha ricontestualizzato il soggetto secolare e ha ridefinito ciò che costituisce l'arte, con un pizzico di ironia.